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“El último samurái” con Tom Cruise


Por Francisco Bermúdez Guerra[1]

Tengo que confesar que esta película de 2003 me gustó mucho. Une dos temas que me llaman poderosamente la atención: los samuráis y la historia del Japón. Sin embargo, se trata de un filme no histórico, de una ficción, basado en ciertos hechos reales. En este caso, la película narra los hechos, mediante los cuales, un capitán del ejército norteamericano viaja al país del sol naciente para asesorar a la milicia del emperador. Este papel lo interpreta Tom Cruise. Y digo que la película no es histórica, porque al parecer no está basada en circunstancias reales. La decadencia de los samuráis en el Siglo XIX, su desaparición, y el proceso de modernización del Japón son hechos verídicos, pero la historia del capitán norteamericano y su complicidad con estos guerreros míticos no es del todo cierta.

Tom Cruise es uno de los actores más famosos del Hollywood, ingresó al mundo del estrellato gracias a la película “Top Gun”. En esta cinta, los pilotos de combate de la marina de Estados Unidos sirven como excusa para contar una historia heroica, sentimental, y muy nacionalista. Tom Cruise se hizo célebre por esta producción. El actor llegó a convertirse en un ícono del cine de los años 80s. 

Es justo decir que Tom Cruise no sólo ha sido un galán del celuloide, también ha interpretado papeles notables como los de “Nacido el 4 de julio”, “Jerry McGuire”, y “Ojos bien cerrados”. Cruise es un símbolo del cine estadounidense, célebre hoy en día por su filiación a la Iglesia de la Cienciología, lo que le ha causado varios dolores de cabeza.

En “El último samurái” interpreta a Nathan Algren, un capitán del ejército agobiado por recuerdos del pasado, en especial, por los recuerdos de su lucha contra los indios de Estados Unidos. Algren cae en el alcoholismo y la autodestrucción. De pronto, recibe una tentadora oferta: asesorar a las milicias del ejército imperial del Japón. Algren viaja al Japón para llevar a cabo este encargo, sin embargo, sucede algo inesperado en una batalla contra los míticos samuráis. Algren es hecho prisionero por parte de estos guerreros. Con el paso del tiempo se hace amigo de estos.


Algunas personas dicen que esta cinta es muy parecida a otro filme llamado “Danza con lobos” del director y actor Kevin Costner. Dicen que la trama es muy similar. La verdad es que “El último samurái” no es la mejor película de Tom Cruise, sin embargo, trata varios temas interesantes: la cultura japonesa, la filosofía de los antiguos samuráis, el zen, y el modo oriental de ver la vida. Desde este punto de vista, la película es muy llamativa. Para los puristas del cine, los cinéfilos a ultranza, la producción no es un clásico, incluso pasó sin pena ni gloria por los teatros de Estados Unidos y de Europa, aunque recibió varias nominaciones a los Oscar.

El papel del jefe de los samuráis, quien se hace amigo del capitán Algren, es interpretado por Ken Watanabe. A este actor lo hemos visto en varias cintas, pero la más conocida es “Letters from Iwo Jima”. Watanabe debe encarnar al líder de los samuráis, y creo que lo hace muy bien. La carga emocional de la cinta está en los hombros de Cruise y de este actor. Sin lugar a dudas Watanabe tiene una imagen muy marcial, y su actuación es creíble, de hecho le valió una nominación a los Oscar como mejor actor de reparto.

El desenlace de la película es heroico y moral, deja una enseñanza, como lo hacen los cuentos orientales. Nathan Algren al principio es un ser degenerado y ambicioso, al transcurrir el tiempo sufre un proceso de transformación, ayudado por los samuráis. En cambio, el asesor del emperador es un hombre materialista sin honor y sin valores. Los dos arquetipos son presentados en la película al estilo oriental. Obviamente, Algren es el héroe, el que tiene honor; de otro lado, el asesor del emperador, Omura, es el inmoral, el malo.


Otra crítica que he escuchado sobre película es el ánimo americanista de la cinta. Me explico, poner a Tom Cruise con una armadura de samurái llevó a muchos críticos a decir que los gringos siempre quieren apropiarse de todo, y que en este caso, quisieron apropiarse de la figura de los samuráis para sí mismos. Yo no lo veo de esa forma, sin embargo, me parece cómico que Tom Cruise haya interpretado el rol de un guerrero tradicional japonés, o por lo menos, de un proyecto de samurái.  

“El último samurái” tiene varios puntos a su favor: su moraleja, su aparente historicidad (si es que así se dice), y su alusión al viejo Japón. Tiene otros puntos en contra: caer en el cliché del héroe gringo, la falta de rigor temporal (según algunos), y no presentar una trama más compleja (demasiado edulcorada para varios gustos).

Para finalizar, una anécdota. La cinta se filmó en Nueva Zelanda, y en California. ¿Qué pasó con el Japón? ¿Por qué no filmaron allí directamente? No sabemos, habrá que preguntarle a los productores.
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[1] Escritor colombiano. Profesor universitario. Autor de varios blogs (cine, literatura, cuentos, historia, filantropía, opinión). http://fbermudez1.blogspot.com , http://fbermudezg.wix.com/novelas .

"El rey león" de Walt Disney Pictures


Un clásico del cine animado. Simba, es un pequeño cachorro de león, heredero al trono. Sin embargo, un tío de él, Scar, engaña al pequeño Simba haciéndole creer que mató a su propio padre, el rey Mufasa. Simba debe huir, y exiliado por años, conoce a dos amigos: Timón y Pumba. Simba posteriormente vuelve al reino, donde Scar ha gobernado por años convirtiéndolo en un lugar desolado. Simba reclama el trono, y ser el legítimo heredero de Mufasa.


Walt Disney, fue el hombre que hizo popular el cine animado, cuando niños todos recordamos que vimos películas como "Blancanieves y los siete enanos", "La cenicienta", "Bambi", "Pinocho", entre muchas otras. Disney murió en 1966, sin embargo, los estudios que llevan su nombre continuaron con la producción de películas animadas. "El rey león" tal vez es una de las cintas con mayor éxito después del fallecimiento de Walt Disney.


Las películas animadas hoy en día son verdaderos hits cinematográficos, sin embargo, en las dos últimas décadas se ha recurrido a los avances en la computación para desarrollar este tipo de producciones que cuenta con clásicos como "Toy Story", "Shrek", "Monsters Inc", "Ratatouille", "Wall-E", "Los increibles", entre muchas otras.


El cine animado, que supuestamente va dirigido a un público infantil ha encontrado un excelente recibimiento dentro del público adulto. Incluso, muchas de las películas clásicas del cine, son películas de este género. El cine animado incluso tiene hoy en día su propia categoría dentro de los premios Oscar. Los argumentos, el humor, las bandas sonoras, el desarrollo tecnológico, el mensaje, han hecho de estas películas verdaderas joyas del séptimo arte que prometen hacia futuro nuevos éxitos y propuestas novedosas.


El cine animado, como ya lo he dicho en varios posts, se ha echado al hombro la responsabilidad de tratar los temas más delicados de la existencia humana y exponérselos a los niños de manera optimista y original. Los adultos encontramos en estas cintas unos verdaderos oasis de arte, de diversión, y de reflexión. "El rey león" no ha sido la excepción, incluso esta película ha sido la preferida de los amantes de "la teoría de la conspiración" para ver entre márgenes mensajes subliminales y oscuros del cine de Hollywood.


"El rey león" de 1994 es una película entretenida, elaborada de acuerdo con las técnicas clásicas del cine animado de Walt Disney, tiene un argumento que tiene mucho de tragedia clásica, pero que también hace reír. Recordemos el dicho "Hakuna Matata" que le enseñan Timón y Pumba al cachorro Simba, que significa "vivir sin preocupaciones".


"El rey león" es y será un clásico del cine, por su mensaje, por su optimismo, y por su sencillez, los niños gozan al ver esta película y los adultos recordamos nuestros mejores años Disney.

Pd: No deje de leer "La dignidad de los soldados del tiempo dorado".

"CAST AWAY" CON TOM HANKS

Un hombre obsesionado con el tiempo y la exactitud, de pronto, se ve abandonado en una isla desierta. La historia de "El náufrago" es muy simple, pero la película logra llegar al alma. Chuck Nolan (interpretado por Tom Hanks) trabaja para la empresa FEDEX, se va a casar con su novia (el papel de Hellen Hunt), pero un accidente hace que Nolan termine solitario, como sobreviviente de un accidente aéreo.


El director de este filme es Robert Zemeckis, quien tiene en su haber películas como "Forrest Gump", "Back to the future", "Contact", "The polar express", "Beowulf" y por supuesto esta bella historia de "El náufrago".


La cinta posiblemente no esté dentro de la categoría de "Cine arte", pero su enseñanza, la manera como toca el corazón del espectador, la hacen ser un filme clásico en mi concepto.
La actuación de Tom Hanks es sobresaliente en esta producción, ya que la mayoría del tiempo este actor tiene sobre sus espaldas la responsabilidad de ser la cara del filme.


Es una película muy emocional, no hay grandes propuestas cinematográficas aquí, pero la simplicidad del guión y de la historia llevan a crear un ambiente propicio para la reflexión, el debate, y para echarse una lloradita, como les pasó a muchos viendo "Forrest Gump".


A mí me pasó, siempre que veo "Cast away" se me escurre una lágrima, por varios motivos, por la soledad, por la perfección de la vida, por el misterio del universo, por nuestra fragilidad como seres humanos, no sé, hay muchas escenas en "El náufrago" que te ponen a pensar, o ni siquiera a pensar, te ponen a derramar lágrimas de emoción o de nostalgia.


La relación del protagonista con Wilson (el balón), la relación de Chuck Nolan con su novia, la caja que no destapa el náufrago, son algunas de las claves emocionales del filme, para quienes no han visto esta cinta les puedo decir que no es una producción complicada, ni mucho menos, pero les advierto que Robert Zemeckis es experto en tocarte el alma con una película, y aquí lo hace, como lo hizo con "Forrest Gump" y con "Contacto".


"Lost in translation" con Scarlett Johansson y Bill Murray


En el blog de cine y literatura ya había hecho una pequeña reseña de esta estupenda película. Sin embargo, debido a la importancia del film, decidí hacer un comentario un poco más extenso sobre aquella cinta en este blog dedicado a las películas clásicas.

"Lost in translation" es dirigida por Sofia Coppola, hija del famoso cineasta Francis Ford Coppola, ella además ganó el Premio Oscar de mejor guión original por esta producción. Una historia muy simple, que muestra a un hombre que debe realizar unos comerciales en Tokyo, pero allí se siente totalmente desorientado y aburrido, hasta que conoce a una joven que le alegra (por así decirlo) el viaje.

Bill Murray interpreta el papel del hombre solitario en Tokyo, y Scarlett Johansson el de aquella joven que ayuda a romper el tedio de ese individuo. Murray es un actor que ha trabajado principalmente en papeles cómicos como en "Cazafantasmas, "Los ángeles de Charlie", y "Broken flowers". Johansson es una joven actriz que saltó a la fama en "Lost in translation", sin embargo, desde muy niña ya había participado en otras producciones.

Esta cinta fue nominada al Oscar como mejor película, y en mi concepto creo que se merecía el premio. Sin embargo, se ha convertido en un film de culto, Johansson se volvió una superestrella del celuloide, y Murray también fue nominado por su actuación en esta película.

¿En dónde radica la magia de esta cinta? ¿por qué tiene tantos seguidores?, algunos dirán que es por la niña Johansson, otros aducirán que es por la banda sonora, o por las tomas de Tokyo y de Japón, o por la sencillez extrema de la historia; yo pienso que es una combinación de todos estos factores, ya que el casting fue muy acertado al escoger a Scarlett Johansson como protagonista de este filme, su belleza, su tono de voz, su edad, eran perfectos para el filme, de hecho, parece como si "Lost in translation" no la hubiera podido filmar otra actriz.


La banda sonora es fantástica, la llegada del protagonista a Tokyo, la escena del karaoke, la escena final, tienen una musicalización perfecta, nostálgica, y algo moderna y futurista, como lo es Japón.

La escena del karaoke merece un comentario especial, en ella aparecen los dos protagonistas en un apartamento jugando a cantar con otras personas, Johansson canta con una peluca medio roja medio morada, y Murray hace lo propio (sin peluca), pero sin mostrar un solo beso o caricia o lo que sea, el espectador queda notificado de la "tensión sexual" que hay entre los protagonistas.

La escena final, y no voy a dañar la película para quienes no la han visto, ya es una de las clásicas del cine, por su misterio, por el interrogante, aunque en algún blog por ahí vi el misterio resuelto, pero por lo menos para quienes ven este film por primera vez, salen con una gran pregunta, como todos.

La sencillez de la historia, no hay grandes conflictos, ni muchos actores, ni personajes, sólo dos personas solitarias en Tokyo, ciudad que sirve de inmejorable escenografía para esta historia, yo no me imagino esta misma película en Bogotá, o en Londres, o en ningún otro sitio, ya que tenía que ser en Japón.

¿Es una comedia? ¿es un drama?, yo no podría encajar a esta cinta en ninguna de las anteriores categorías, porque tiene comedia, pero también drama, o incluso hay situaciones que no se podrían clasificar.

Hay tomas muy bonitas de Japón, de Tokyo, e indudablemente de Scarlett Johansson, sólo recordemos como empieza la cinta, y no quiero ser grosero, o las tomas de la cara de esta belleza de mujer, y muchas otras tomas que son espléndidas y ayudan a la majestad de este film, que sin una pisca de violencia, o de sexo, genera una gran diversión en nuestra alma.



"AMERICAN BEAUTY": LA ÓPERA PRIMA DE SAM MENDES EN EL CINE

¿Quién no recuerda a aquella niña rubia encima de pétalos de rosa?. "American beauty" ganó el premio Oscar como mejor película, su protagonista (Kevin Spacey) también recibió el Oscar como mejor actor principal, y otras tres estatuillas doradas premiaron a esta maravillosa producción (mejor director, mejor cinematografía, y mejor guión original) mitad comedia mitad drama.


Una película lenta, con silencios, muy enfocada en los actores, en los diálogos, en las imágenes, sencillamente espléndida.


Kevin Spacey interpreta el papel de un hombre de clase media, que explota contra el mundo, que deja su puesto, que entra en conflicto con su familia, que en resumidas cuentas quiere cambiar su vida. Alrededor de él se presentan otros conflictos, con su hija, con su esposa, con sus vecinos.


Annette Bening acompaña a Spacey en los roles protagónicos. A esta actriz la pudimos ver hace algún tiempo en un estupendo papel en la cinta "Being Julia", lo que le valió la nominación al Oscar, y de verdad que su interpretación allí es magistral.


Uno de los símbolos de este filme es la aparición de la actriz Mena Suvari, aquella niña rubia que surge en los sueños del protagonista, arropada en pétalos de rosa, una imagen muy simbólica de esta producción.


El director británico Sam Mendes era más conocido en el mundo del Teatro, y con "American beauty" hizo su incursión en el cine con pie derecho. Después dirigió a Tom Hanks, a Paul Newman, a Jude Law, y a Daniel Craig en "Road to perdition", una película sobre gangsters. Aparte de esto, está casado con la actriz Kate Winslet.


Otro actor talentoso que participa en "American beauty" es Chris Cooper, en el rol de un padre muy estricto y medio arbitrario con su hijo (Wes Bentley).


La belleza se encuentra en todo lado, en lo simple, en lo normal, en la calle, alrededor de nosotros, ésa es la belleza americana o colombiana o del país que sea, la belleza de lo común y corriente, de la vida y su esencia, la belleza de la cotidiano, del hombre.

Página oficial- http://www.dreamworks.com/ab/

"LA LISTA DE SCHINDLER": EL CLÁSICO DE SPIELBERG

Un alemán durante la Segunda Guerra Mundial decide salvar a varios trabajadores judíos de los campos de exterminio nazi.


Este filme fue dirigido por Steven Spielberg, y con él ganó el Premio Oscar a mejor película (aparte de las otras seis estatuillas que se llevó esta producción).


La cinta se presenta en blanco y negro, para dar mayor dramatismo, es bastante larga, y tiene varias escenas muy sangrientas y duras visualmente.


El papel protagónico está en cabeza de Liam Neeson, interpretando a Oskar Schindler, y el antagónico está bajo la responsabilidad de Ralph Fiennes. Otro actor muy renombrado que aparece en esta producción es sir Ben Kingsley (el mismo de Ganghi), que actúa como asistente de Schindler.


La deshumanización de las guerras, de los campos de concentración, y la locura de algunos humanos, son mostradas aquí con toda la crudeza que se pudo. Es difícil no salir de la sala de cine con un nudo en la garganta después de ver "La lista de Schindler".


Spielberg era un director de películas fantásticas, incluso infantiles, como "E.T", o como "Los goonies", o "Indiana Jones", pero aquí demostró que su genialidad cinematográfica podía impactar hasta lo profundo del alma con una historia muy seria, triste, y desconsoladora.


En medio de la miseria de la guerra, aparece un buen corazón, que trata de salvar a una serie de trabajadores judíos de la muerte segura. Oskar Schindler, vivió en la realidad, y el guión de la película está basado en hechos verídicos.


Con "La lista de Schindler" Spielberg se consolidó como un director icono de Hollywood, incluso, él dijo que quería dejar un legado con esta cinta para las futuras generaciones. Spielberg después filmó otra cinta de guerra también muy cruda, "Salvando al soldado Ryan", pero eso lo veremos en otro post.

Página oficial- http://www.schindlerslist.com/

"EL JOVEN MANOS DE TIJERA" DE TIM BURTON

Protagonizada por Johnny Depp y Wynona Ryder, "Edward Scissorhands" (el título en inglés), es la historia de un joven que ha sido creado por un científico loco, que en lugar de ponerle manos le pone tijeras. Este joven de pronto es invitado a vivir con una familia común y corriente, pero debido a su "defecto" y al rechazo de algunas personas, se ve involucrado en varios acontecimientos desagradables.


Tim Burton es un genio del cine, tiene en su palmares cintas como ésta, pero también se destacan "Beetle Juice", "Batman", "Ed Wood", "Big fish", "Charlie y la fábrica de chocolates", por sólo mencionar algunas.


Un director obsesionado con lo gótico, sin tocar el terreno del cine de terror o de horror, lo que lo hace más atrayente.


Digamos que Burton es un realizador que le gusta combinar géneros cinematográficos, en su último trabajo vimos como mezclaba el musical y la sangría violenta en "Sweeney Todd", pero también tiene producciones más blancas y menos oscuras como "Big fish" o como "Charlie y la fábrica de chocolates". A Burton le gusta el terreno infantil del cine, tal vez ése sea su éxito, que ve este arte como lo ven los niños, incluso, lo oscuro visto como si fuera un niño, o con la visión de un niño.


En "El joven manos de tijera" vemos a un Johnny Depp interpretando un papel complejo, pero tierno, y una película narrada como si fuera un cuento infantil. Edward Scissorhands le toma cariño a Kim (interpretada por Wynona Ryder), tiene corazón, y uno muy grande, así como demasiada sensibilidad.


Un clásico del cine, por su historia, por los colores, por su director, por la narración de los hechos, por su originalidad.


Una cinta en la que aparece Vincent Price en uno de sus últimos papeles, como el creador del joven manos de tijera.

"THE FIRM": UNA PELÍCULA DE ABOGADOS CON TOM CRUISE

Una cinta protagonizada por Tom Cruise, con la participación de Gene Hackman, Hal Holbrook, Ed Harris, Jeanne Tripplehorn, Gary Busey, entre otros.


"The firm" es la historia de un joven abogado, egresado de una de las mejores escuelas de leyes, a quien le proponen un magnífico empleo en un bufete muy prestigioso, sin embargo, el sueño empieza a caerse cuando la firma de juristas no es lo que aparentaba.


La dirección de este filme está bajo la batuta del recientemente fallecido Sydney Pollack, que nos deslumbró con cintas como "Tootsie" y "Out of Africa".


Tom Cruise protagoniza este filme de intriga, de suspenso, y de moraleja ética, que yo ubico dentro de los clásicos del cine precisamente por su temática, y por la tensión de la trama. El guión está basado en el libro de John Grisham (La tapadera), quien precisamente con esta historia se volvió muy famoso a nivel mundial.


Encontramos a dos actores veteranos de Hollywood acompañando a Cruise, como lo es Gene Hackman y Hal Holbrook, el primero lo recordamos por su papel de Lex Luthor en "Superman" y a Hal Holbrook lo vimos nominado al Oscar por su participación en la cinta "In to the wild" en 2008.


La actriz que hace de esposa del personaje que interpreta Cruise es Jeanne Tripplehorn, que se hizo famosa por ciertas escenas subidas de tono en "Bajos instintos" donde aparece Sharon Stone y Michael Douglas.


Las películas sobre abogados siempre me han llamado la atención (¿será porque soy abogado?), y a los aficionados a este tipo de películas "The firm" no nos decepciona, lo que si me parece interesante o extraño es que a Sydney Pollack le gustaba actuar como abogado y hacer películas sobre esta temática, aunque no sé si es pura coincidencia, o era un propósito deliverado de este genio del cine fallecido hace algunas semanas.


Una buena película de acción y de suspenso, un thriller sobre abogados al estilo Grisham, la participación de Cruise que es bastante decorosa, y una galería de actores veteranos que le dan a esta producción un aura de sofisticación en el género de la película de tensión ética.

Pd: No deje de leer "La dignidad de los soldados del tiempo dorado".

LA ESTRATEGIA DEL CARACOL DE SERGIO CABRERA

En un diciembre me fui a ver esta película, con cierta expectativa, ya que se trataba de una película colombiana, y no es que no me gusten las producciones nacionales, pero la verdad es que a veces uno siente cierta prevención hacia las producciones de la tierra.


Salí fascinado del teatro, la persona que me acompañó a ver esta cinta también salió encantado, y vislumbré que algo nuevo estaba ocurriendo en el movimiento cinematográfico nacional, y esto ocurría con nombre propio, se trataba de Sergio Cabrera.


"La estrategia del caracol" es una película urbana, que retrata la idiosincrasia colombiana, con sus virtudes y sus defectos, ya que palabras más o palabras menos la cinta trata sobre el esfuerzo de unos inquilinos para no desalojar una casa, todas las peripecias que deben hacer, y por último, la gran estrategia que deben llevar a cabo.


A Sergio Cabrera creo haberlo conocido por primera vez cuando salía en un programa de televisión llamado "Pequeños gigantes" allí dictaba unas clases de chino, y creo que era él porque precisamente este realizador colombiano vivió varios años en ese lejano país, no sé, de pronto es una fantasía de mi infancia, pero creo que las cosas son así, o por lo menos mi realidad así lo asimila.


En esta magnífica producción colombiana intervienen actores como Frank Ramírez, Víctor Mallarino, Gustavo Angarita, Humberto Dorado, Vicky Hernández, Fausto Cabrera, Jairo Camargo, Edgardo Román, Saín Castro, Florina Lemaitre, Delfina Guido, Luis Chiape, y muchos otros talentos nacionales.


El guión fue escrito por Sergio Cabrera y por Humberto Dorado, quienes con este filme realmente hicieron estallar de la risa a mucha gente, incluyéndome a mí.


El cine colombiano ha tomado mucha fuerza en los últimos años, y tal vez "La estrategia del caracol" fue como la pionera de ese nuevo cine nacional que se inauguraba en el nuevo milenio, ya que atrás quedaban películas que fueron símbolo del séptimo arte colombiano, pero que con la cinta de Sergio Cabrera realmente se entraba de lleno en la competencia por la taquilla con las películas extranjeras.


Hoy se producen muchas cintas colombianas, hay más ánimo de hacer más cine, y eso está bien, pero siempre es bueno, y ya lo he dicho antes, hay que cuidar la producción, el guión, la técnica, para ofrecer algo de calidad al público, porque como opiné en otro blog, el público colombiano se merece ver cine nacional de calidad, cine que se pueda exportar, y no simplemente cintas pop-corn que desestimulen la iniciativa de crear verdadero arte colombiano, así que mucho ojo, es bueno hacer cine y sé que es difícil hacerlo, pero también es importante no caer en la tentación del facilismo porque el público no siempre se deja descrestar con cualquier cosa.


Una buena oportunidad para reflexionar sobre el cine nacional, y una muestra muy importante es "La estrategia del caracol" que inauguró una nueva era para la cinematografía colombiana.

FORREST GUMP: PROTAGONIZADA POR TOM HANKS

Una persona con "bajo coeficiente mental", si es que así se puede decir, triunfa. Triunfa en el mundo de las personas de inteligencia normal sin mucho esfuerzo, qué ironía.


Una película protagonizada por el actor Tom Hanks, quien por este papel recibió el Oscar como mejor actor. El film está dirigido por Robert Zemeckis, un cineasta que tiene en su carrera el honor de haber llevado a la pantalla grande cintas como "Back to the future" en sus tres partes, "Cast away", "Contact", "El expreso polar", etc.


"Forrest Gump" está basada en la novela del escritor Winston Groom, y narra, como ya dije, la vida de un muchacho de inteligencia subnormal, pero de muy buenos sentimientos, y es a través de la vida de esta persona como se logra narrar gran parte de la Historia de Estados Unidos de la segunda mitad del Siglo XX. Hechos como el nacimiento del rock, la Guerra de Vietnam, el escándalo de Watergate, son mostrados en esta producción con mucha despreocupación y con una mirada inocente.


El reparto de esta cinta lo encabeza Hanks, pero también participan actrices como Robin Wright Penn, y Sally Field, y actores como Gary Sinise, y Mykelti Williamson (quien interpretó a Buba, el amigo de Forrest en Vietnam).


Forrest está enamorado de Jenny, quien durante el transcurso de la película le hace varias marranadas al pobre Gump, la sigue, hace muchas cosas por ella, incluso el no morir en la guerra.
Una película realmente dramática, pero con muchas aristas cómicas, sin ser realmente una comedia. Debemos decir que Forrest Gump impactó el mundo del cine en la última década del Siglo XX, y por ello ganó seis Premios Oscar, incluyendo el de mejor película.


"La vida es como una caja de bombones" dice la mamá de Forrest, y así es porque esta película es también como una caja de bombones, inesperada, dramática, cómica, mágica, inocente, y llena de sabiduría.


Mi escena favorita de Forrest Gump es cuando él camina como loco por todo Estados Unidos, y la gente lo sigue, pensando en que está haciendo alguna protesta o algo por el estilo, pero él sólo está caminando sin propósito, sólo por divertirse, tal vez eso es la vida, un escenario para divertirse y nada más.


Una película clásica de los años 90's, que volvió a Tom Hanks todo un icono de Hollywood, y a su director Robert Zemeckis lo consagró como un realizador de filmes extraños y de enseñanza. En "Cast away" Hanks se reune nuevamente con Zemeckis para mostrar la historia de una persona obsesionada con el tiempo y la exactitud, y que de pronto se ve abandonado en una isla lejana; o en la película "El expreso polar", una cinta animada en la que también interviene este actor, que ya había recibido un Oscar por su participación en "Filadelfia".


"EL ÚLTIMO EMPERADOR" DE BERNARDO BERTOLUCCI

Bernardo Bertolucci, el aclamado director, quien tiene en su haber filmes como "Último tango en Paris", "Novecento", "The sheltering sky", "El pequeño buda", "Los soñadores", entre otras, sorprendió al mundo con "El último emperador", una historia sobre el Emperador chino Pu Yi.


En esta película se nos muestra a la China de principios del siglo XX, la vida interna dentro de lo que se denominaba "la ciudad prohibida", y la caída del monarca.


Una cinta histórica, que transcurre entre flashes de los recuerdos de Pu Yi, y lo acontecido en su país.


Bertolucci también ha escandalizado al público, "Último tango en París" mostró escenas subidas de tono del archifamoso Marlon Brando con la actriz Maria Schneider, y en una de sus últimas películas "Los soñadores" la cosa se puso más complicada ya que varias de sus escenas son más que subidas de tono, en esta última película participa la chica Bond Eva Green, quien tiene unos hermosos ojos, pero en ese film (me perdonarán las niñas) lo que menos muestra son sus ojos, pero eso será materia de debate de otro post (si se puede).


Bertolucci ha estado obsesionado con el lejano oriente, tal vez por eso filmó "El último emperador", y también tal vez por eso hizo "El pequeño buda" un historia que paralelamente ocurre en el presente pero con referencias a la vida del iluminado.


La belleza de "El último emperador" es indiscutible, no sólo por mostrar el lujo de la ciudad prohibida (donde vivían los emperadores chinos), sino por exhibir todos los ambientes del lejano país en la primera mitad del siglo xx.


La participación de Peter O'Toole en esta cinta le da un toque muy refinado, porque este actor lo es, ya que interpreta a un preceptor británico que trata de educar el joven monarca en algunas de las costumbres de occidente.


Las películas históricas me fascinan, y ésta no fue la excepción, ya que todo aquel que quiera comprender a la China actual debe ver "El último emperador", cinta, que entre otras cosas se llevó el Oscar a mejor película y otros ocho Oscar ( mejor director, mejor guión adaptado, mejor música, mejor sonido, mejor vestuario, mejor diseño de producción, mejor montaje y mejor fotografía).


Bertolucci también ha sido uno de mis directores favoritos por una película no muy famosa pero bellísima "The Sheltering Sky", donde nos mostró la inmensidad del desierto y su belleza, los colores, y su parecido con el cielo, una producción protagonizada por Debra Winger, John Malcovich, y Campbell Scott.


En fin, "El último emperador" una de las películas más galardonadas por Hollywood, dirigida por el italiano Bertolucci, y una de las mejores narraciones históricas del cine, donde se nos muestra a la China en todas sus paradojas y valores.

LARS VON TRIER Y "BAILARINA EN LA OSCURIDAD"

Un film realmente impactante. Una muchacha que está perdiendo la vista, y que vive con su pequeño hijo se ve envuelta de pronto en un asesinato.


El director de esta película es el danés Lars Von Trier, quien es uno de los impulsores del movimiento cinematográfico "Dogma 95". Aquel movimiento proponía volver a las raíces más simples del cine, casi que volver a la artesanía fílmica.


Von Trier saltó al estrellato mundial con "Dancer in the dark", una producción que ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes en el año 2000.


Como ya dije, es una cinta muy impactante, demasiado lacrimógena, y tiene unos ingredientes creativos interesantes como la combinación de una tragedia con un musical. De hecho la protagonista de la película es la cantante Björk, quien con su peculiar estilo le da al film un aura de arte alterno.


Una muy buena propuesta de Lars Von Trier, quien tiene películas como "Los idiotas", "Manderlay", "Dogville", entre otras, incluso, está filmando una cinta que piensa estrenar dentro de varios años, y cada año filma un pedazo de ésta.


"Dancer in the dark" no es apta para gente muy depresiva, pero sí para aquellos que disfrutan de la experimentación visual y creativa, porque Von Trier precisamente experimenta con la combinación de dos géneros cinematográficos aparentemente contradictorios, como lo es la tragedia, y el género musical. Por lo general los musicales son alegres o cómicos, pero en este caso, el director danés no se hubiera podido imaginar una historia más dramática y calamitosa que la expuesta en este film.


Personalmente, la película me gustó bastante, la música es muy atractiva, y la actuación de Catherine Deneuve y David Morse acompañan la interpretación de la cantante islandesa de manera digna.


Hay una combinación en el manejo de la cámara, ya que cuando se muestra la historia de la protagonista hay unas tomas como si fueran de cámara aficionada, pero cuando hay canto y baile parece que las tomas se hicieran con cámara profesional.


Un hecho extraño fue que esta película fue ignorada en los Premios Oscar, salvo por la banda sonora, ya que todos vimos la interpretación de Björk en aquella entrega célebre de estos premios vestida con un modelo bastante excéntrico.

"Eterno resplandor de una mente sin recuerdos": la visión de Michel Gondry


"Eternal sunshine of the spotless mind", el nombre de esta película en inglés, protagonizada por Jim Carrey y Kate Winslet. Un film dirigido por Michel Gondry, quien recientemente nos sorprendió con "La ciencia de los sueños" donde aparecen Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg.

Eterno resplandor..., es un film casi de culto, allí aparece la forma extraña de hacer películas de Michel Gondry y los guiones extravagantes de Charlie Kaufman.

Dos personas comunes y corrientes se enamoran, viven su amor, pero después deciden borrar los recuerdos de su relación. Aunque parece muy sencillo la forma en que narro el esquema general de la cinta, la verdad es que no es fácil de definir la sinopsis porque hay saltos en el tiempo, y la historia transcurre como en dos campos: la realidad y la mente.

Jim Carrey, un actor que se ha hecho famoso por interpretar papeles cómicos, aquí interpreta un rol muy dramático, en mi concepto, casi nostálgico, y otros dirán que depresivo, pero lo hace de manera muy afortunada.


Kate Winslet, la protagonista de "Titanic", también tiene un papel dramático en esta historia, donde interpreta a una muchacha extraña que cambia su look de manera progresiva y constante.

Otros actores de renombre aparecen en esta producción, como Tom Wilkinson, Mark Ruffalo, Elijah Wood, y Kirsten Dunst.

En mi concepto, es una de la mejores películas que se ha hecho en los últimos años, muy artística por la fotografía, los efectos, y sobre todo la historia, que es muy original y bizarra.

"Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" ¿hasta dónde el alma queda impactada por un amor lejano?, aquí nos dan la respuesta, a través de la creatividad del guionista Charlie Kaufman, quien es célebre por su participación en guiones de películas como "Quieres ser John Malkowich" y "Adaptation".

Kaufman ganó el Oscar por mejor guión original por "Eterno resplandor...", y la verdad es que aquí puso un punto muy alto en materia de creatividad.


E.T: EL EXTRATERRESTRE, EL PRIMER GRAN SUPER-ÉXITO DE SPIELBERG


Una de las películas que más me impactó en mi niñez. Todos lo que vimos en cine este film nos acordamos perfectamente del tremendo impacto de ver a un alienígena haciéndose amigo de un muchacho terrícola.

La película, y creo que sobra decirlo, está dirigida por Steven Spielberg, un realizador que ya había tenido cierto reconocimiento por filmes como "Tiburón" y "Encuentros cercanos del tercer tipo".


Con "ET: El extraterrestre", Spielberg la sacó del estadio, y se convirtió en el director más popular de los años 80's y hoy día es una de las figuras más respetadas de Hollywood.


En esta cinta aparecen actores como Henry Thomas, que interpreta el papel de Elliot, el niño que se hace amigo de E.T, Drew Barrymore (cuando era una pequeña niña), Peter Coyote, e incluso Erika Eleniak en un papel muy corto.


El film generó una gran venta de artículos referidos a E.T, yo incluso tuve un llavero, pero habían afiches, muñecos, cuadernos, etc, digamos que lo que logró en merchandising George Lucas con Star Wars, lo logró Spielberg con E.T.


La cinta tiene varias escenas clásicas, como cuando los niños huyen y E.T los hace levitar y cruzan la luna, o la última escena, que está considerada una de las más lacrimógenas del cine.


Spielberg nos mostró con E.T, un hecho inédito en materia de cultura popular, y es que los extraterrestres son buenos, o por lo menos algunos sí lo son, ya que anteriormente la visión que se tenía sobre este tema estaba marcado casi que por el terror y el miedo, aunque en "Encuentros cercanos del tercer tipo", Spielberg ya había tocado este tema, y nos había comunicado que hay alienígenas muy buenos.


El tema de los extraterrestres ha estado muy presente en la mente de Spielberg, no sólo por las películas mencionadas sino por otras que haría y produciría después (como "La guerra de los mundos").


Aquí E.T se queda abandonado en la Tierra y se hace amigo de un niño, sin embargo, las autoridades descubren esto y tratan de hacer unos estudios, pero las cosas se complican y E.T debe recurrir a sus amigos y a sus poderes para volver a casa.


Todos recordamos esa frase "E.T phone home", que de cierta forma se convirtió en una de las más simbólicas del cine de los años 80's.


Spielberg, posteriormente hizo otras superproducciones, pero E.T marcó la fama para este director, ya que incluso 20 años después se celebró el aniversario de este film.


Algunos actores de E.T después han tenido mucha relevancia como Drew Barrymore ( Los ángeles de Charlie), o incluso Erika Eleniak que tenía un pequeño papel en este film, y después se hizo famosa por aparecer en "Bay Watch".


"E.T: el extraterrestre" marcó una época, lanzó al estrellato a su director, generó nuevas ideas sobre un aspecto de la cultura popular, y sobretodo junto con Star Wars determinaron el movimiento de las películas pop-corn , y de la importancia del merchandising y la publicidad en el cine.


EL TIGRE Y EL DRAGÓN: LA OBRA MAESTRA DE ANG LEE


"Crouching tiger, hidden dragon" su nombre en inglés, de una de las producciones de artes marciales más espectaculares que he visto en mi vida. Dirigida por Ang Lee, "El tigre y el dragón" nos narra el conflicto de dos guerreros taoístas contra una vieja asesina que ha instruido a una aprendiz para robar una espada. Se desarrolla la historia en la vieja China (durante la dinastía Qing), y hay escenas de peleas, diálogos profundos, una fotografía excepcional, y una coreografía de combates singular.


El reparto de este film está encabezado por Chow Yun Fat, y lo acompañan Michelle Yeoh, Chang Chen, y Zhan Ziyi.


El director de la cinta es Ang Lee, un realizador de origen taiwanés, que ha estado al mando de otras producciones como "Sense and sensibility", "Brokeback mountain", "Lust, caution", entre otras. Este es uno de mis directores favoritos precisamente porque es muy versátil al momento de filmar una película, ya que tiene en su haber cintas como ésta, "El tigre y el dragón", que es de artes marciales, pero también dirigió "Hulk" (El hombre increíble), o "Brokeback mountain" que es una producción que causó mucha controversia en su momento porque tocaba el tema del homosexualismo demasiado de frente.


Con respecto a "El tigre y el dragón" debo decir que desde pequeño me han gustado los filmes de artes marciales, pero mi gusto decayó de pronto, con este film de Ang Lee, volví a degustar con interés las historias de peleas y de artes marciales, aunque algunos dirán que esta cinta es más una película filosófica o ética que de peleas, en todo caso, yo me sorprendí con muchas escenas de la producción, como cuando los guerreros volaban por el aire, o con los combates en árboles, y con la cuidada cinematografía de un film hablado en mandarín.


Otras películas del mismo corte se han venido produciendo en la China, como "Hero", "La casa de las dagas voladores", o "The curse of the golden flower" (que ya comentamos en otro post), bajo la batuta de Zhang Yimou. Pero indudablemente la que ha quedado en la retina de los aficionados y de los críticos es "Crouching tiger, hidden dragon".


Este film no ganó el Oscar a mejor película del año, pero ganó como mejor película extranjera, sin embargo, yo pienso que se merecía el premio más importante en ese año. Una cinta para ver con cuidado, sobre todo en los diálogos, las peleas son casi que un baile, y la fotografía es muy atractiva.

MULHOLLAND DRIVE Y LA OBSESIÓN DE DAVID LYNCH

Un film extraño. Mulholland Drive, fue galardonada en el Festival de Cannes, donde su director obtuvo un premio. David Lynch, es quien dirige precisamente esta cinta, él es un realizador atípico del Cine, también famoso por la película "Terciopelo azul", y por otros filmes como "Corazón Salvaje" ( Palma de oro en Cannes), "El hombre elefante", "Dune" (basada en la novela de Frank Herbert), entre otras.


Mulholland Drive es una producción surrealista, dicen algunos, yo diría que medio loca, porque hay escenas sin sentido, una historia que al principio trata de ser coherente pero que después se vuelve inmanejable para el espectador.


David Lynch es un director no convencional, que se enfoca no tanto en el contenido de sus películas sino en las sensaciones de las imágenes.


La película está protagonizada por la inglesa Naomi Watts y por Laura Harring, la primera es una actriz rubia que ha participado en producciones como "21 gramos", "King Kong", y últimamente la vimos en "The painted veil". Su personaje en Mulholland Drive es la de una joven que llega a Los Angeles con el objetivo de volverse actriz, sin embargo, su sueño se convierte en parte del juego que hace el director de la cinta con el espectador.


La película es mejor verla bien despierto, porque si se ve medio somnoliento de pronto se puede sucumbir al sueño. Un film que da para varias interpretaciones, o quizás para ninguna.


David Lynch ha estrenado últimamente un film llamado "Inland empire" donde, según los que la han visto, vuelve con el toque surrealista o medio loco de Mulholland Drive.


En última instancia, Mulhollan Drive es un juego visual, una película que no tiene una continuidad como cualquier otra cinta, y eso quizás pueda aburrir, por eso hay que estar abierto a la propuesta de Lynch, un director muy respetado en Hollywood, y que ha hecho varios clásicos del Cine.


Página web oficial de David Lynch: www.davidlynch.com
Página web oficial de la película: www.mulhollanddrive.com


CASABLANCA: UNA PELÍCULA TEATRAL

Si hablamos de clásicos del Cine, debemos hablar de Casablanca. El film se desarrolla precisamente en la ciudad de Casablanca en Marruecos durante la Segunda Guerra Mundial.


En un bar, o medio bar, se encuentran dos antiguos amantes, que por las vicisitudes de la guerra se ven avocados a prescindir de su amor.


Un clásico por las actuaciones inolvidables de Humphrey Bogart y de Ingrid Bergman. La dirección está a cargo de Michael Curtiz, un cineasta de origen húngaro.


La película está realizada originalmente en blanco y negro, aunque con las técnicas modernas creo que ya se puede ver en colores. La historia es muy simple, un triángulo de amor, un contexto de guerra, y un conflicto dramático muy al estilo teatral.


La película precisamente es muy teatral porque fue filmada cuando el séptimo arte todavía no era muy desarrollado en materia de efectos especiales o de cinematografía. Pero, precisamente, ése es el éxito de Casablanca, la sencillez de la historia, la caracterización de Bogart, la belleza de Bergman, el clima de depresión y nostalgia, que representa muy bien el blanco y negro original de la cinta.


Humphrey Bogart es un ícono del Cine de Hollywood, en casi todos los afiches que representan a los personajes más famosos del celuloide, se le representa, su forma de hablar, su cigarrillo, su peinado, el hombre rudo, ése es Bogart.


Por otro lado, Bergman es una hermosa mujer, que le da a Casablanca un toque de sofisticación y de delicadeza.


La película es una verdadera joya del Cine, aclamada por todos los críticos, e incluso en uno de los capítulos de la serie de T.V "Los Simpsons" llegan a encontrar uno de los finales alternativos para Casablanca ( aunque en burla, claro). Y es que el final de esta producción, es uno de los finales más famosos de todas las películas que se han filmado, y tiene frases que también son de obligatoria recordación para los cineastas "... de todos los bares del mundo...".


Una escena superclásica y emocionante, es la interpretación de la Marsellesa. También, es una de las más recordadas de la historia del séptimo arte.


El éxito de Casablanca está en gran parte en los actores, pero también en la teatralidad (si es que así se dice) de la cinta, en el ambiente muy bien logrado por el director Michael Curtiz, y unos diálogos muy recordados.


Casablanca debe estar en la lista de todos aquellos que quieren ver buen Cine, pero, con las modernas películas que se ven hoy en día a muchos les parecerá sosa, o anticuada, pero ahí está lo interesante de Casablanca, que sin utilizar mucha técnica, queda uno con la sensación de haber visto algo grande y maravilloso, qué pensaran los directores de ahora, cuando con miles de efectos especiales no pueden descrestar a nadie, y sólo filman cosas repetitivas.

Un buen consejo, vea Casablanca en blanco y negro, la disfrutará más.